Diego Velázquez

Retrato múltiple a tamaño natural, en el que el personaje central y protagonista es la infanta española Margarita Teresa de Austria (1651-1673), rodeada de: sus sirvientas denominadas "meninas", personalidades de la nobleza y el propio Velázquez.

Es una de las obras más estudiadas de la historia, hoy en día la principal fuente de información procede de los escritos del tratadista y pintor Antonio Palomino (1655 - 1726), quien analizó detalladamente la simbología, técnica, historia y personajes de la pintura.

Tres años después pintaría un retrato unipersonal de la infanta.

Baco, el dios griego del vino también conocido como Dionisio, es el protagonista de esta tela, encargada por el rey Felipe IV de España. La ocurrencia de realizar un trabajo de temática mitológica surge por la admiración que suscitaron en el artista, las obras del Caravaggio, entre otras pinturas italianas. El lienzo fue pintado en Madrid y quiere presentar una fusión entre las "deidades" griegas (los tres personajes de la izquierda) y lo mundano (los 5 de la derecha).

La importancia de esta obra es que marca un antes y un después en la carrera del pintor, ya que fue la primera incursión seria de Velázquez en el género mitológico, ya nunca más se despegaría de la temática, hasta sus últimos días.

La pericia para realizar el retrato múltiple, la rescató de sus años en Sevilla como retratista experto y pintor de género religioso, donde llegó a componer obras de alta complejidad.

El tratamiento de la luz sobre el protagonista y sus acompañantes, hace que destaque el personaje principal, y dota de magníficos contrastes de luz y sombra a los demás. El naturalismo se combina con el realismo y el concepto mitológico. Esta mezcla otorga a la obra un carácter sumamente original para la época.

Esta, junto a "Las meninas", es la obra más compleja jamás realizada por el artista, tanto es así que ha sido objeto de variadas interpretaciones a lo largo de la historia, desde sencillas visiones que valoran lo estético, que consideran la escena como parte de un taller de costura en un palacio, hasta complicadas interpretaciones que incluyen mitología y simbolismo oculto.

La composición discurre en 2 planos de acción, el primero muestra el movimiento de 5 hilanderas trabajando, ataviadas al uso de la época. En el plano del fondo aparecen 5 personajes enigmáticos, interactuando entre ellos y observando un tapiz de querubines.

La factura técnica, el movimiento y anatomía de los personajes han sido ampliamente alabados por un sinfín de artistas a lo largo de la historia.

Interpretación pictórica de la tradición cristiana, la visita de los tres reyes magos de oriente, al Mesías nacido en Belén de Judea.

La composición posee un trabajo de sombras detallado, y un realismo notable. Muestra a San José, la Virgen María, un pastor y los tres magos adorando al niño y portando sus respectivos regalos.

María presentada como una joven bella con aureola, mirando y sosteniendo al niño en su regazo. San José aparece como un hombre de rostro curtido, mirando el semblante de se esposa, como preguntándose: "¿Qué habría de esperar de aquí en adelante?"

El niño Jesús, con una aureola en forma de cruz y rasgos adultos, envuelto completamente en tela, haciendo alusión a la mortaja que lo envolvería el día de su muerte.

Durante su carrera, Velázquez realizó numerosos retratos de enanos bufones, este se considera el trabajo más brillante de la temática. Las características técnicas, colores, iluminación y la descripción anatómica rozan la perfección.

Otro retrato famoso de enano es el niño de Vallecas.

Retrato con un notable trabajo del claroscuro, que presenta el rostro de un apóstol, no se sabe exactamente que personaje bíblico es, pero se conoce que no es ni Santo Tomás ni San Pablo, ya que se presume que el lienzo originalmente (antes de ser recortado), ya incluía a estos dos santos.

Los expertos no aseguran al 100% la autoría del lienzo, sin embargo, por las características de la pintura se puede atribuir con escaso margen de error, al estilo que el pintor desarrolló entre los años 1619 y 1620.

Retrato de animal, aunque su autoría no está 100% comprobada, la mayoría de expertos concuerdan que las pinceladas y la técnica empleada, coinciden con la estilística del pintor.

Se considera una de las pinturas religiosas más destacadas del artista. Su procedencia exacta de lugar y fecha no está clara, por el estilo se infiere que fue realizada entre 1635 y 1644.

En la parte superior las tres personas de la Trinidad Cristiana, Padre, Hijo y Espíritu Santo, coronando a la Virgen María quien permanece sentada sobre las nubes, rayos de sol y angelitos revoloteando.

Escena bíblica perteneciente al primer período artístico de Velázquez. Como ocurre frecuentemente en la pintura barroca, la escena principal aparece en segundo plano, donde se aprecia a Jesús hablando con las hermanas Marta y María. Los personajes que aparecen en primer plano: la anciana y la sirvienta no pertenecen al texto evangélico.

50 años después, J. Vermeer ha pintado su propia versión del pasaje bíblico.

Se trata de una de las pinturas de Cristo crucificado, más nobles de la historia, está reconocida como obra maestra de la anatomía masculina y ha sido inspiración de obras literarias y pictóricas.

La obra muestra el cuerpo desnudo de Jesús, presumiblemente ya muerto, por la inclinación de la cabeza, la tensión de los brazos y la palidez de la piel. La postura es especialmente suave, el cuerpo está compuesto con las proporciones más bellas del momento, aprendidas de su maestro Francisco Pacheco.

Se trata de una de las obras más elaboradas, y la primera donde el pintor trató el tema mitológico.

El lienzo muestra al dios griego Apolo visitando la herrería regentada por el dios Vulcano, quien muestra su estupor ante las palabras de Apolo.

La composición y proporciones anatómicas finamente logradas, son propias de la escuela italiana, aprendidas por Velázquez tras su estancia en Roma.

Paisaje rural con "La fuente de los tritones", que aún hoy existe, hecha de mármol, se encuentra en un lateral del palacio Real de Madrid.

La tela muestra el monumento en una iluminación propia del campo, con árboles frondosos en el fondo y secano en el camino. Los viandantes parecen estar disfrutando de un día de ocio. La composición es sencilla y está centralizada en la fuente, se considera del género costumbrista.

Este es una de los retratos unipersonales más conocidos del artista, se trata de la infanta Margarita Teresa, protagonista de la tela Las meninas, a quien pintó en numerosas ocasiones desde su temprana niñez hasta los 8 años.

Enano que trabajó como bufón en la corte del príncipe Baltasar Carlos, también padecía problemas mentales, diagnosticados en aquel tiempo como oligofrenia.

Sentado en un entorno campestre con costa, yace el niño de Vallecas, con un aire de despreocupación, casi desafiante, entre las manos afirma lo que parece ser un mazo de naipes, figura de su modo de vida. La expresión y los puntos de interés (cara y manos) están iluminados con maestría sublime.

Las discapacidades que Velázquez era asiduo a pintar, plantean una polémica moral hasta nuestros días, mucho se ha discutido sobre si el artista busca humanizar y dar dignidad, o por el contrario este tipo de retrato tiene un desprecio implícito por las personas disminuidas.

Otro retrato de bufón es el de don Sebastián de Morra.

Retrato de niño con caballo, el príncipe Baltasar Carlos (1629-1646), hijo de Felipe IV. La pintura pretendía promover la autoridad del futuro rey, quien ya posaba al estilo de su padre y su abuelo. De ahí el cetro en la mano derecha y la vestimenta militar, aun siendo un niño.

El paisaje del fondo denota que el personaje se encuentra en El Pardo (población de Madrid). La vista se dirige hacia las montañas de la sierra del Hoyo de Manzanares.

Momento histórico militar, que hace presente la victoria del ejército español de Felipe IV sobre los terratenientes en los Países Bajos. El gesto amistoso de los personajes denota los términos en que se zanjó la disputa: una rendición considerada como honorable por parte de España.

Felipe IV (1605-1665) fue el monarca más veces retratado por Velázquez, esta obra concretamente es el Rey a sus 52 años, y es una de las más reconocidas por su composición pulcra, realismo y viveza.

Del mismo autor, una pintura casi idéntica se encuentra en la National Gallery de Londres.

Composición pictórica que muestra tres momentos de "La leyenda dorada", escrita por el obispo italiano Santiago de la Vorágine (1230-1298).

San Antonio viste de marrón y San Pablo de blanco, arriba un cuervo que les trae el alimento para el día. En segundo plano, en ambos costados, escenas de los mismos personajes, a la izquierda el entierro de San Pablo, con la ayuda de un león. A la derecha el momento en que el santo es encontrado muerto en posición de oración.

Obra del costumbrismo sevillano, donde el artista plasma 3 hombres de distintas generaciones, alegremente compartiendo la mesa. En la penumbra un sirviente vierte vino para continuar la velada.

Escena costumbrista donde el autor quiere poner de relieve el carácter sórdido de la situación: ambientada en Sevilla, el más joven de los hombres, con gesto burlesco, sostiene un vaso de vino, haciendo ver que los tres músicos ya han bebido. Los dos personajes de la derecha cogen sus instrumentos sin firmeza y tocan lo que al parecer es una música sin ton ni son.

La conservación de la obra es excepcional, hasta la actualidad mantiene los colores, figuras e iluminación casi inalterados.

Se trata del único desnudo femenino que se conoce de Velázquez, pintado para uso privado, lo que evitaba toda clase de problemática moral, causada por este tipo de obra.

La mitología griega cuenta que Venus es la diosa de la belleza, por lo que la imagen deja ver el concepto de máxima belleza corporal femenina que tenía el pintor. En una postura grácil, recostada sobre sábanas y de espaldas, Venus mira al espectador a través de un espejo sostenido por su hijo Cupido.

Se trata de una de las primeras obras formales del artista. Considerada del género bodegón, destaca la gran cantidad de materiales y texturas incluidas: aceite hirviendo, almirez de bronce, telas, verduras, manchas, madera, metales, cerámica y mimbre. Puestos ahí probablemente por la avidez del artista por desplegar su talento.