Bartolomé Esteban Murillo

La inscripción bajo la pintura del pintor reza en latín: "Bartus Murillo seipsum depingens pro filiorum votis acprecibus explendis", que significa "...pintándose a sí mismo por petición de sus queridos hijos".

Aunque la apariencia del pintor es de un hombre relativamente joven, se cree que la obra fue pintada cuando el artista pasaba ya los 50 años, época en que sus hijos ya tenían la suficiente edad como para estar orgullosos del trabajo de su padre.

La composición sigue el mismo patrón que los grabados de las anteportadas de libros de la época: el protagonista enmarcado en un óvalo y bajo él los instrumentos y herramientas de su oficio: lápices y papel a su izquierda y una paleta con pinceles a la derecha.

Justa y Rufina son dos santas, hijas de alfarero, nacidas en el siglo III, en el actual territorio de Sevilla que entonces estaba gobernado por los romanos. del siglo III, hijas de alfarero y mártires.

En la obra se aprecia a Santa Justa a la derecha y Rufina, 2 años menor que la primera, a la izquierda. El lienzo muestra cantaros de barro en el suelo en alusión al negocio familiar. La torre del campanario de Sevilla, actual Giralda de la Catedral, porque se les atribuye el milagro de que, en el terremoto de 1504, se mantuviera en pie. También palmas en las manos de cada una, señalando su muerte por martirio, la cual ocurrió porque ambas se negaron a reconocer a los dioses romanos.

En no pocas ocasiones, Murillo retrató niños, y lo hizo con infantes de todos los tipos: Santos en sus edades más tempranas, angelitos en alegorías religiosas y niños en escenas costumbristas, como es este el caso.

Se trata de una de las obras no religiosas más conocidas del artista, donde los elementos del estilo barroco aparecen de forma notable, especialmente a lo que el tratamiento de la luz se refiere, el claroscuro de la composición, donde el niño aparece iluminado en un entorno negro o muy sombrío.

Los dos niños son Juan el Bautista y Jesús, quien da de beber al primero en una concha. Aunque la escena no es bíblica si es una situación perfectamente plausible, ya que ambos eran primos y cercanos durante su niñez.

Esta es una de las obras más reconocibles del pintor, combina los elementos en el que el artista más se manejaba: la pintura de niños y el estilo barroco. Por ello logró una composición bella y equilibrada que ha sido reproducida en innumerables veces en todo tipo de soportes incluyendo láminas, camisetas y otros objetos de moda y decorativos.

La obra muestra a San Jerónimo, quien en el siglo V fue uno de los mayores eruditos de idiomas hebreo, latín y griego del mundo. Tradujo una buena parte de la biblia al latín, por encargo del Papa Dámaso I. Por ello la forma tradicional de representar a este Santo es siempre escribiendo o leyendo, otra de la pinturas más conocidas con este motivo es San Jerónimo escribiendo de Caravaggio.

Esta obra muestra la muerte del apóstol Andrés, considerado uno de los padres de la iglesia católica y de la ortodoxa. El martirio transcurrió en la ciudad griega de Patras, donde fue encargada su crucifixión (en forma de equis), por orden del delegado consular romano Aegeates, quien no sólo fue testigo de la predicación de San Andrés y de los conversos al cristianismo que de esta se derivaba, sino que su propia esposa se declaró cristiana, hecho que no quiso tolerar. Lo mandó a apresar, azotar y crucificar.

La obra fue realizada en la fase artística más avanzada de Murillo, de hecho fue terminada el mismo año de su muerte, época caracterizada porque las figuras se muestran muy difuminadas y son más coloridas, en esto se parecen a algunas técnicas desarrolladas en el renacimiento como el sfumato, y a otras que aun tardarían siglos en desarrollarse, como los difuminados del impresionismo.

La predilección del artista por estos pequeños tiene que ver con que perdió entre 3 y 5 hijos por enfermedad y que en aquella época la pobreza y la enfermedad asolaban buena parte de la sociedad sevillana. Con la misma temática retrató a niños como este, pilluelos y pícaros, una muestra son los títulos: "Joven mendigo", "Niños comiendo uvas y melón".

Esta obra se concentra en la reacción de los magos ante el recién nacido, más que en la descripción clásica y bíblica del relato. Muestran alegría y devoción reforzando la solemnidad del momento en que La Virgen María les presenta con sencillez al niño. El momento en que los Reyes Magos visitan al mesías, ha sido ampliamente tratado por diversos artistas del Renacimiento y el Barroco, una de las versiones más conocidas es la "Adoración de los magos" de Velázquez.

Aunque el pasaje bíblico es breve, la tradición oral cristiana ha adornado con toda clase de detalles el acontecimiento, muchos de estos sí están reflejados en la obra. Arriba a la izquierda se aprecia la estrella de Belén, los atuendos de los magos refuerzan el carácter universal de la religión: cada uno muestra una edad del hombre: juventud, madurez y vejez; y una procedencia geográfica diferente (de los 3 continentes conocidos hasta ese momento): Asia, África y Europa.

Esta versión de Cristo con la corona de espinas se considera la mejor conseguida por el artista, quien realizó varias versiones del mismo título, las más destacadas se encuentran en el Prado (ver) y en el Museo de Cádiz (ver).

Una de las destrezas más aguzadas de Murillo era su capacidad para plasmar emociones y sentimientos en los rostros que pintaba, lo cual, en este retrato está generosamente conseguido.

Actualmente esta versión de Ecce Homo, no puede verse en ningún museo ya que fue adquirido por un coleccionista privado en 2017, quien pagó en una subasta de Sotheby's casi 3 millones de libras esterlinas.

Se trata de una escena de género, bastante atípica para la época y para el pintor. Presenta 4 personajes de los cuales la joven de pie en el centro del lienzo es la más prominente en la composición, el gesto de media sonrisa, mejilla contraída y ojo medio cerrado, se cree que en la época y en este contexto, significa que la chica era soltera y estaba disponible. A partir de ahí, se infiere claramente que la mujer mayor, es la protectora de los tres niños, y especialmente es la encargada de que la chica encuentre marido.

El niño a la izquierda y el que está acostado confirman el carácter picaresco, uno por la expresión de su cara y el otro por el roto que tiene su pantalón.

Esta escena de género es una de las más famosas del artista, presenta características típicas del barroco.

Muestra a 2 golfillos bien iluminados y con fondo oscuro, en acción y movimiento, tanto las miradas como las líneas principales de la composición van en diagonal, el detalle y realismo de las figuras es muy alto, tanto que solo las uvas del suelo pueden ser un bodegón de la más fina factura. La luz entra por arriba a la izquierda y crea una densa sobra hacia la esquina contraria (claroscuro).

Esta tela pertenece al período artístico más temprano del pintor, fue para decorar la Iglesia y hospital de la Caridad de Sevilla (ver en Wikipedia), una casa de hospicio creada para acoger a los más desamparados. El padre como figura de Dios, recibe al hijo que se había perdido y ahora regresa, el perrito significa que la escena pretende ser totalmente terrena y no mitológica.

En muchas ocasiones se ha pintado este pasaje bíblico, se considera esta una de las mejores conseguidas de todo el período, ya que expone de manera eximia las expresiones faciales y corporales de los personajes. La composición en cuanto a coloración iluminación y fondo recuerda a las obras de Tiziano.

Otra de las famosas pinturas de la misma temática es esta conocidísima versión, realizada por Rembrandt, que cuenta con un marcado estilo barroco de la escuela flamenca.

Muestra el momento en que Jesús resucita y sale del sepulcro mientras los guardias apostados para cuidar la entrada se han quedado dormidos. En su mano la bandera de la salvación, que significa el triunfo sobre la muerte y su llamada a conversión a judíos y no judíos.

Esta obra maestra muestra un claroscuro donde la luz se dirige desde el fondo del cuadro hacia el espectador, brillando con máximo fulgor justo en la cabeza de Jesús, quien lleva colgando las sábanas mortuorias, extiende la mano y alza la mirada dirigiéndose al padre. En la parte baja, en penumbra tres soldados romanos durmiendo sobre el suelo.

Murillo era un experto en dar a sus obras un halo de encanto, nostalgia y picardía, de ello esta obra es un gran ejemplo. Presenta a dos jóvenes mozas mirando por la ventana, al centro e iluminada totalmente una de ellas que mira al espectador esbozando una sonrisa enigmática y tranquila. Tras ella, a media luz, la otra joven tapa con un pañuelo su ávida risa. Los ropajes de ambas, típicos españoles de la época indican estrato de clase media alta.

Las dimensiones de los personajes son de escala 1:1, hecho a propósito con la intención de que la pintura tenga más impacto ya que se asemeja más a una auténtica ventana con las chicas mirando, este mismo recurso pictórico es común encontrarlo en la escuela flamenca del siglo XVII, por ejemplo en: Jan van Eyck, Rembrandt o Rubens.

Santo Tomás de Villanueva (1486-1555) fue un fraile agustino español, canonizado en 1658, reconocido por su sensibilidad hacia los pobres. Aquí se muestra en su más temprana edad repartiendo entre los niños pobres la ropa que llevaba puesta.

En esta obra se comienza a apreciar la tendencia creciente del artista en utilizar el "estilo vaporoso", el cual consiste en difuminar los contornos de las figuras, presentándolas con una ligera apariencia de transparencia, pero sin perder en realismo.

En obra se plasma la devoción religiosa del propio artista. Murillo era católico y pertenecía a la Cofradía del Rosario, quienes practicaban con especial fervor la oración del santo rosario. Por ello se puede ver al niño sosteniendo uno en su mano derecha. La pose de ambos es extremadamente dulce y suave, lo que, unido a la belleza de las caras y la serenidad alegre de las expresiones, resulta una obra sublime, como pocas se han conocido.

La composición muestra características del Tenebrismo, por sus fuertes contrastes de luz, estilo muy utilizado sobre todo en la primera etapa artística del pintor.

San Francisco de Paula fue un fraile y más tarde ermitaño italiano del siglo XV, conocido por vida extremadamente austera. Se presenta aquí en un paisaje de desolación y penumbra, alzando la mirada al cielo, desde donde viene una luz y se lee "Caritas", que significa "Amor". La bola de luz es rodeada por un grácil grupo de 5 angelitos.

Esta dramática imagen del apóstol Pedro, corresponde al relato bíblico del llanto que suscita el haber traicionado a su maestro al negarlo tres veces. A su vez tiene las manos entrelazadas como rogando perdón. El óleo tiene los elementos clásicos del claroscuro barroco, un fondo sombrío y una luz que baja en diagonal, contorneando las figuras y especialmente el rostro del personaje

Ya en los primeros años, la autoría de la obra fue discutida, llegando a afirmarse que fue hecha por José de Ribera, aunque pronto quedó aclarado el asunto, queda patente la fuerte influencia que este tuvo en esta y otros trabajos del autor.